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In un liceo artistico, una semplice richiesta di didattica a distanza: “Collage e carta da giornale: prendendo spunto dai documenti allegati realizza una figura umana con il collage”, proposta dalla docente di discipline pittoriche, è diventata spunto per scatenare una moltitudine di immagini che, dal corpo, hanno invaso lo spazio dei vissuti del quotidiano, in questo momento di forzato isolamento nelle proprie abitazioni.

La creazione di figure con frammenti di carta diviene veicolo dell’immaginario complesso di adolescenti che esplorano così il loro mondo interiore, e la realtà che li circonda, affamati di risposte.

I lavori realizzati possono essere ricondotti a tre approcci, pur avendo motivi comuni e trasversali di riflessione:

A. IDENTITA’ IN FORMAZIONE

B. VITA E SCIENZA

C. FRAMMENTI D’ARTE NARRANO

A. IDENTITA’ IN FORMAZIONE

A1. PEZZETTI DI IDENTITA’

La riflessione sul corpo diventa strumento per indagare la propria adolescenza e guardare al passaggio verso la maturità, vissuto con preoccupazione e disorientamento.

Due figure richiamano la spensieratezza dell’esser ragazza, la percezione di una sensibilità profonda nel terzo occhio sulla fronte del viso più infantile; poi modelli di donne mature, eleganti, sicure, ma anche distanti ed inquietanti (la donna che ride, dalle quattro braccia); prende forma anche un volto femminile/maschile, che adombra consapevolezze non scontate o stereotipate tra le tante realtà di identità sessuali.

E il cerchio si chiude su una massa di capelli che nasconde il volto e il fumetto: HELP ME!

A2. INQUIETANTI SORRISI

L’imperativo che guida la costruzione del collage è un amaro e ironico richiamo alla responsabilità: stiamo chiusi in casa, con Enzo Miccio (personaggio televisivo).

A destra si esibisce un corpo snello, provocatorio e dinamico, di una cantante rock, disegnato dal ritmo di una musica scatenata; spiazza, in questa figura, il volto, segnato da una enorme bocca sorridente ma con denti irregolari di anziano, una fitta di inquietudine.

Una fitta di inquietudine che pervade i tanti volti dispersi sul fondo, tutti sorridenti, campionario della vasta umanità che ci circonda, e modelli di attività desiderate, oggi da reprimere.

A3. DISORIENTAMENTI

Voglia di trasgredire dalla silhouette capovolta di diavoletto.

Senso di annullamento e di censura nello studio di volti negati, nei “sensi” cancellati, nell’assenza di comunicazione, nello sguardo spaventato volto alle spalle, senza risposta.

A4. ATTERRITA …. cara mamma

Il corpo diventa dimora di un volto sgomento; il vezzoso volto che lo sovrasta ha perso gli occhi, non vuole vedere, ha le labbra cucite, non può parlare; accanto un viso pop, ironico, disorientato; spaesato, di fronte ai colori dell’Italia proiettati su un palazzo storico spaccato al centro da una prospettiva vertiginosa; incredulità e stupore nelle sagome di uomo con grandi orecchini di donna e di donna con abbigliamento maschile e mascherina, attenzione, difesa.

L’icona dell’occhio, col cuore nella pupilla, tra due mani tinte dai colori di una tavolozza, cerca l’amore, la relazione, il contatto, cerca quell’esperienza fisica che ci è negata, oggi.

Sullo sfondo un elenco di brevi poesie, il cui incipit è “….. cara mamma”….

  A5. INTRECCI DI ETA’

Gioco di ‘controscambio’ tra fasi diverse dell’età sui corpi femminili, impaginato con ironia, modalità radicata nell’immaginario dei ragazzi di oggi.

Può essere definita un’espressione dell’estetica contemporanea pop, che si alimenta dalla miriade di immagini simili che popolano i social giovanili, ma che comunque descrive i pensieri che abitano I nostri adolescenti.

Un ‘medium’ che, in questo lavoro, vuole narrare le fasi della vita di una donna, con sguardo divertito, scherzoso, forse scelto per esorcizzare l’inquietudine che in parte traspare dal bel volto della donna matura, sfregiato qua e là da macchie e cancellazioni.

  A6. INTRECCI DI GENERI

È un motivo che troviamo in alcuni lavori: corpi che propongono giochi di travestimento, che possono voler essere provocazione, ironia, volontà di ridicolizzare gli stereotipi di genere.

Indubbiamente, oltre a ciò, l’immagine si accompagna ad una reazione di spaesamento, non riconoscendo un modello di genere ‘legittimato’ dalla nostra cultura: ‘spaesamento’ è uno stato d’animo oggi diffuso di fronte all’emergenza cui siamo costretti.

E forse emerge anche una maggiore consapevolezza in questa generazione sulle tematiche legate ai diversi orientamenti di genere; riflessione che documenta un atteggiamento di accoglienza e di empatia nei confronti delle diverse identità.

A7. IL FUTURO COMINCIA ORA

Sguardo disincantato, sconsolato e nostalgico di un passato che occorre abbandonare e consapevolezza che il futuro si costruisce ora.

A partire dalla costruzione, non ancora definita, della propria immagine (ritagli di corpi sparsi, diversi, maschili e femminili, amati e odiati), necessario rito di passaggio che il silenzio, la solitudine e le urgenze della condizione odierna costringono ad affrontare.

A8. SPICCARE IL VOLO

Sogno ad occhi aperti di felicità, di movimento a passo di danza, desiderio di essere cullati da un’onda di mare estivo; voglia di spiccare un volo in compagnia ad uno stormo di uccelli che guidano leggeri e spensierati il percorso desiderato di libertà.

B. VITA E SCIENZA

B1. NOTIZIE DALL’INTERNO

Un disegno anatomico di un corpo a mezzo busto propone un punto di vista particolare, dall’interno.

Come in una radiografia leggiamo la discesa inesorabile, dalla bocca agli organi vitali, di qualcosa di invisibile, scandita da numeri progressivi.

La ragione e il pensiero sono imbrigliati in un labirinto nero, congelato, pare senza via d’uscita.

Nell’addome, un uomo dal turbante giallo, con un corpicino infantile accartocciato in posizione fetale, si aggrappa desolato al cuore, con una grande mano e si culla.

Ma il n. 4 dov’è?

B2. VITA/MORTE

Desiderio di vita, di energia, corpo che si eleva ed inarca in un movimento di danza, al ritmo della musica, nel caldo dell’estate. Sogno di libertà e felicità.

Un corpo “incarnato” nella figura di un Killer assassino ode la supplica del mondo animale che urla di essere lasciato in pace, in vita: riflessione profonda sull’urgenza di rispettare gli animali, sul significato della scelta vegetariana e anche appello alla riflessione sulle terribili conseguenze che la diffusione di un virus, passato dalle carni di un animale, come il pipistrello, all’uomo, può causare.

C. FRAMMENTI D’ARTE NARRANO

C1. … E TUTTO, QUANDO? E PERCHE’?

Come di fronte allo scorrere di fotogrammi di pellicola cinematografia, a sinistra un film di Alberto Sordi, si accalcano immagini che emergono dalla memoria, da una cultura tutta italiana, dall’esperienza e dall’oggi.

Prepotente è la supplica di aiuto urlata dagli occhi del volto di Laocoonte, come carica di sgomento è la sorpresa dei guardiani del sepolcro, nella centrale Resurrezione di Cristo di Raffaello, sfregiata al centro da una immensa bocca appena sorridente; un frammento di una Madonna Rinascimentale sta serenamente giocando con il Bambino; a sinistra una sforbiciata figura di santa osserva con grandi occhi, tesa, il mondo attorno a sé.

Tutt’intorno volti di uomini e donne qualunque, di ogni età, le cui bocche sono coperte o deformate in sorrisi strazianti: bocche che non riescono a trovare parole possibili.

Un uomo e una donna, abbracciati, su campo giallo si interrogano: … e tutto, quando? E perché?

C2: FIGURE DALL’ARTE, IRONIA E GIOCO

Un tessuto d’immagini ricco di citazioni, di frammenti colti dalla storia dell’arte e assemblati giocando con suggestioni dadaiste.

La condizione contemporanea si intreccia con rimandi colti e fumettistici raccontando un vissuto ambivalente, di percezione del pericolo (lo scheletro Covid nel labirinto di ferro della Tour Eiffel), del bisogno di vincerlo (Batman con la mascherina rapito nella vertigine del cielo barocco di Pietro da Cortona).

Con la desolante scarnificazione scheletrica dialogano due esuberanti nudi sensuali femminili, a loro volta spiazzanti per i volti che esibiscono…. Immagini curiose, figlie dei ‘meme’ che popolano i social, qui rielaborate con riferimenti alti.

Ciliegina sulla torta: la deificazione della carta igienica, con un’operazione tutta pop: dissacrazione della Madonna dell’uovo di Piero della Francesca, legittima, nell’epoca dell’isolamento da coronavirus.

C3. UN MONDO DI AMAZZONI

Volti, di donne, popolano l’immaginario della simpatica testolina in ‘multicolor’ alla Andy Warhol, in un elegante profilo di dama del Quattrocento; volti femminili di varie età, attorno alla ‘Muta’ di Raffaello: muta per caso? Muta per isolamento?

Del corpo si seleziona, nella composizione, la testa; della testa, il volto; i volti ci hanno sopraffatto negli ultimi tempi, bombardati da selfie in ogni dove, dai diversi luoghi frequentati: passato recente, poco distante dall’oggi eppure così lontano dal nostro odierno e isolato e statico vivere quotidiano.

C4. UNA VENERE CONTEMPORANEA

Da un lattiginoso fondo reso tridimensionale e decorativo dalle forme circolari della carta dello scottex emerge una figura femminile che assomma contemporaneamente evocazioni classiche, nel nudo proporzionato del corpo, il racconto di un momento di vita quotidiana, nel pensiero assorto e nel gesto di spontanea raccolta dei capelli, e la resa della sacralità di un’icona per l’essenzialità delle linee e l’evocazione di un fondo dorato, col tempo, perso.

C5. INTORNO A LEONARDO

Celebrazione del genio leonardesco e iniziative a lui dedicate: la pagina di giornale è sfondo per una elegante figura femminile, da magazine di moda, che avanza incontro a noi decisa e sicura.

Ci attraggono il suo portamento, i tacchi a spillo e le gambe snelle, il tubino nero, ma le mani sono nascoste da guanti di frammenti di giornale, e il volto che ci appare tra lunghi capelli biondi è l’autoritratto anziano di Leonardo……

C6. LA DANZA DELLA VITA

Nell’epoca simbolista, a cavallo del ‘900, era frequente trovare quadri di riflessione sulle età della vita.

La danza, come allegoria di un cammino, era la figura ad esempio scelta da Munch per raccontare le tre età della donna.

Un corpo femminile in tutù, con un fisico acerbo, quasi anoressico, anche un po’ trasandato, porta un volto di donna più che matura, sorridente e sicura, il cui collo tradisce la non giovane età.

La donna gioca con il travestimento di bambina, anche per la barchetta di carta sulla testa e la pioggia di coriandoloni che la circonda.

Si cerca un sorriso creando travestimenti paradossali; forse un tentativo di esorcizzare le inquietudini dell’oggi.

C7. ASPETTANDO

Seduta, fuma: il corpo della donna si impone con una femminilità trasandata, la veste rosa e piegata in panneggi arabescati, un trucco forzato e capelli scomposti.

Un segno grafico netto e grottesco che rimanda alle opere di Otto Dix e alle atmosfere dei quadri della Nuova Oggettività del primo dopoguerra.

Avvolta da una poltrona nera la cui forma, quasi organica, evoca un pericoloso essere aggressivo: attende, in allarme.

Siamo tutti noi, in questi giorni, nelle nostre case, in attesa che una soluzione si materializzi; la pagina di giornale prefigura una via d’uscita citando i test per la ricerca degli anticorpi al Covid 19.

C8.  FLORA ALL’EPOCA DEL COVID 19

Una figura umana avanza con determinazione in un rassicurante e intenso campo blu, scrutando l’intorno con grandi occhi all’erta…

Corpo umano, bacheca con parole di pensieri e desideri, di valori, ma anche bisogni, anche una preghiera a “Cristo”.

La figura evoca una “Flora” che avanzando sparge, al posto dei fiori, caratteri tipografici che disegnano la parola SENTIMENTO, testimonianza di stati d’animo odierni sopraffatti da emozioni.

Ivetta Galli

E’ accaduto veramente, il lungo corteo, allegro e coloratissimo, che ha attraversato Novara, sabato 26 maggio 2018:  una corale manifestazione di “arte relazionale”?

Portare a Novara un fiume così dirompente di allegria, di sorrisi, di colori dell’arcobaleno, che sono i colori della luce e quindi della vita, è stato un potente atto creativo che i ragazzi di Novararcobaleno  e di Sermais hanno generato.

Ma ancora più intense e profonde sono state le parole che dal palco sono rimbalzate sulle persone strette tutte attorno.

Voci e testimonianze non urlate, spesso sofferte, di un mondo che ci circonda e ci appartiene,  stanco di doversi nascondere, che rivendica di potere esistere.

Un’umanità che attraversa classi sociali, confini geografici, perimetri ideologici, perché ESISTE.

Negli ultimi decenni molti artisti, che lavorano per esplorare l’uomo e i suoi vissuti, si sono fatti interpreti di questa “rivoluzione civile”, portando alla luce storie ed esperienze per smuovere i pregiudizi e le resistenze che portano a ignorare, se non a emarginare o aggredire, chi non appartiene al mondo eterosessuale.

Yto Barrada, artista nata a Parigi nel 1971, di origine marocchina, tra le significative immagini che documentano la cultura del proprio paese, propone “Rue de la liberté“, 2000, opera che con delicatezza ci racconta di un amore che ancora deve essere nascosto.

Dal palco del Novara Pride, una toccante testimonianza è stata portata da un giovane africano rifugiato, omosessuale, che con coraggio ha raccontato la propria fuga “sui barconi” del Mediterraneo, difficile e pericolosa ma necessaria, per trovare la possibilità di vivere liberamente e scappare da persecuzioni e morte.

Questa immagine di una videoistallazione di Isaac Jiulien (Londra, 1969), Western Union: Small Boats, del 2007, riassume in uno scatto quanto possa essere potente il desiderio di fuggire da condizioni di oppressione e violenza, anche per motivi di orientamento sessuale, pur sapendo di dover affrontare molti pericoli attraversando il Mediterraneo.

Come ci ricorda l’artista svedese Runo Lagomarsino (1944) con l’opera esposta a Milano alla mostra “La terra inquieta” nel 2017:

Stessa scritta che, ad intermittenza, cambiando una lettera, diventa un SOS straziante.

Maria Lai, artista sarda che ha vissuto il Novecento, mancata nel 2013, nel lontano 1965 proponeva il  delicatissimo “Ermafrodito. Il dio distratto“:

un quadro dipinto con  tessuto e fili di lana su una spessa tela grezza; paura e imbarazzo si colgono tra i residui di volto annegato sotto le ciocche spesse e protettive di capelli.

(La stessa artista è stata una pioniera dell’ “arte relazionale”, con  “Legarsi alla montagna”, ad Ulassai, nel 1981, lavoro artistico che ha coinvolto attivamente gli abitanti del proprio paese. Maria Lai, a cui era stato commissionato un “monumento ai caduti”, si è fatta promotrice di un’azione collettiva, coinvolgendo con un impegnativo e non facile lavoro, la comunità: un lunghissimo nastro azzurro ha collegato e annodato le case del paese alla cima della montagna che lo aveva minacciato con una frana;  si racconta che una bambina si fosse salvata rincorrendo un nastro azzurro. L’artista  ha utilizzato la propria energia e creatività realizzando un “monumento per i vivi”, riuscendo a smuovere diffidenze e chiusure, comportamenti sedimentati dalle abitudini, cambiamenti possibili quando il significato e il valore degli obiettivi proposti risultano convincenti. In questo intravvedo un’analogia tra fare “arte relazionale” e fare il “pride”).

Anche l’arte cosiddetta “tradizionale” si è confrontata con tematiche di genere; come non ricordare il quadro  “Donna barbuta“, del 1630, di Jusepe De Ribera, pittore caravaggesco detto “Lo Spagnoletto”?

Lo sguardo disincantato con cui l’artista ritrae la figura sorprende per il profondo realismo e la grande sensibilità nel cogliere la fatica e il disorientamento nel vivere la propria condizione.

Tra la moltitudine presente al corteo di Novara Pride  ha trovato posto anche l”‘associazione interssessuali” il cui simbolo è un cerchio viola su fondo giallo:

Le testimonianze di due giovani persone di questa associazione raccontate dal palco a tratti con esitazione, ma decise nell’affermare la propria identità, forse hanno rappresentato uno dei momenti più intensi della manifestazione.

A Novara è intervenuta anche una portavoce dei diritti dei transessuali, Antonia Monopoli, ricordando con commozione Bruna, vittima di un brutale omicidio proprio nella nostra città nel 2012; e, al doloroso ricordo della violenza, ha affiancato il racconto emozionato dell’esperienza vissuta al funerale per Bruna, nella chiesa di San Francesco, organizzato dall’Associazione Liberazione e Speranza, dove una chiesa gremita si è stretta a lei con grande rispetto, solidarietà e affetto.

Gli scatti rubati nelle strade del Cile dall’artista e fotografa, Paz Errazuriz,  nel 1983, della serie “La mela di Adamo“, documentano, con forte carica di denuncia politica, le numerose storie di emarginazione e repressione delle persone transessuali nel periodo della dittatura fascista di Pinochet.

 

Alla Biennale di Venezia del 2017, Charles Atlas (Usa, 1949) ha esposto un sensazionale video composto da 44 tramonti, Kiss the Day Goodbye seguito da Here she is…v1, la cui protagonista è Lady Bunny, famosa drag queen di New York.

L’artista ha creato una magica metafora della fine del mondo, disegnando nei video il lento spegnersi del sole e dei colori della luce. I colori dell’arcobaleno. Alla fine di tutto, dopo il buio, sopravvive la drag queen, con la sua storia personale raccontata ballando e intrecciata ad una critica analisi politica dell’America contemporanea.

 

Guardiamo la foto del palco, alla fine della manifestazione a Novara: un sacco di giovani  felici stipati tra le due drag queen,  madrine simpatiche,  discrete, sensibili oltreché capaci a gestire  quasi due ore di interventi densi di umanità, dolori e sogni

Lo sguardo “internazionalista”  dei giovani organizzatori di Novara Pride, l’apertura alle tematiche della diversità e alla difesa dei diritti civili, e necessariamente il deciso impegno politico (nel senso di partecipazione diretta nelle questioni della cittadinanza che interessano la polis e la vita collettiva), rappresentano forse un piccolo fermento di un nuovo ’68, cinquant’anni dopo?

Ivetta Galli

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Il film di Sorrentino lavora lentamente nell’immaginario, penetrando nel profondo. Certo, solo se ti lasci coinvolgere nel dialogo  visivo, vivi momenti di emozione, di fastidio, di fascino, di disgusto, di commozione, di poesia.

Di fronte allo scorrere delle immagini si aprono diversi livelli di lettura, non sempre immediati, che possono affiorare lentamente nelle ore/giorni successivi. La potenza delle  visioni del regista credo nasca dal saper mescolare iconografie della storia dell’arte a simboli più immediati, a miti e riti della nostra cultura ( e non solo) con storie dell’oggi, troppo vicine a noi per essere guardate con distanza o indifferenza.

Sequenze che intrecciano sguardi sul mondo a racconti del desiderio, del sogno, a pulsioni profonde legate a istinti più viscerali.

L’intrusione di una candida pecora, che entra curiosa e guardinga nell’elegante e tecnologica  villa di Berlusconi in Sardegna, è emblematica; spaesata, non riconosce il proprio ambiente, la campagna sarda, luogo  di una cultura pastorale che ha radici in una storia millenaria, fatta di fatica, lavoro, ma anche di natura spettacolare e incontaminata, violentata dalle costruzioni turistiche.
La pecora non è abituata a climi differenti dal proprio naturale e soccombe al freddo meccanico  del condizionatore.
Muore,  come agnello indifeso, sacrificato.

Figura sacra, l’agnello si ripete nelle rappresentazioni cristiane dei luoghi di culto, di cui la nostra terra è costellata. Sacrificio che avviene nella casa di “LUI” o “DIO”, come lo chiamano “LORO”.

L?inquadratura dell’altra villa che s’affaccia su quella di Berlusconi, dove gli ospiti allineati sulle balconate e su tre livelli, in silenzio, dopo un’orgiastica festa, cercano con sguardo fisso e disperatamente l’uomo dei loro sogni, è tra le più intense del film.

Paradossalmente richiama immagini di immigrati, assiepati lungo i parapetti delle loro imbarcazioni, tesi spasmodicamente a raggiungere la loro meta che via via all’orizzonte si fa possibile. Sguardi  di desiderio, di speranza, di paura.

“LORO” sono tutti  uguali, alla fine, con  corpi nudi esibiti  a forza, carichi di una artificiale e torbida sensualità, scatenata da una pioggia “magrittiana” di pillole colorate e segnate da volti urlanti e devastati, droga per la loro sopravvivenza: si muovono tutti insieme,  come un “gregge di pecore”.

Ivetta Galli

Una piuma di gallina volteggia lievemente in un acquario, osservata anche da vere galline che razzolano tra terra e detriti nello stretto corridoio, collegato al salone espositivo dell’Hangar Bicocca.

Moderno reliquiario, leggerezza ed eleganza della linea che fluttua.

Sulla parete accanto il segno diventa motivo ritmico colorato, aggrovigliato, gomitolo sfrangiato che galleggia  in uno spazio siderale.

Oltre la parete si spalanca l’ampio volume dello Shed di Pirelli Hangar Bicocca, nel quale Petrit Halilay (1986), giovane artista kosovaro, tra dicembre 2015 e marzo 2016, ha allestito Space Shuttle in the Garden.

L’impatto iniziale non è stato gradevole: l’aspetto di un cantiere aperto, scheletri di case in parte sospese innaturalmente sopra le nostre teste, disorientamento.

Dopo poco sentiamo il canto di un gallo e scorgiamo un grande pollaio abitato da molte galline impegnate ad esplorare il loro spazio inconsueto e attratte  dalla porta aperta verso il giardino. Ci avviciniamo e si delinea la sagoma di un “razzo spaziale” in legno, abitato da altri polli, internamente tutto dipinto di blu.

Forte è il desiderio di volare, delle galline, sì, con il loro razzo spaziale, ed è evidente lo slittamento ironico-giocoso operato da Petrit per narrarci i suoi sogni. Da piccolo ha vissuto in un paese del Kosovo, tra gli animali di cascina che sono diventati parte importante della propria storia; a dieci anni circa la sua infanzia è stata violata dalla guerra che ha portato alla distruzione la casa di famiglia, obbligando la stessa alla fuga in campi profughi.

Petrit lascerà il Kosovo per raggiungere Milano e studiare all’Accademia di Brera, formazione artistica che approfondirà a Berlino, esperienze di stimolo alla sua creatività vulcanica generatrice  di quelle piccole meraviglie disperse, e da scoprire, nello spazio dell’Hangar.

L’artista dimostra di muoversi con grande maestria tra medium differenti; si è appropriato delle più efficaci forme espressive d’arte contemporanea: il video che scorre su una parete dello Shed è stato girato sul luogo della propria casa, dove rimangono tracce ormai “archeologiche” dell’abitazione, oggi colonizzate da esili fili di erbe, dai fiori di campo, da una infinità di piccoli insetti ripresi poeticamente mentre ricreano una nuova vita.

E’ questa commistione tra senso della tragedia e grande voglia di vivere, tra desiderio di radicamento e tensione verso l’altrove, che prende forma e si modella negli oggetti realizzati.

Come le ampie forme che ricreano gli orecchini della madre, da lei sotterrati prima di scappare, all’interno delle cui trame versa vera terra di quel “Luogo” perduto e le cui decorazioni evocano modelli di oreficeria dei popoli medievali che hanno abitato  il cuore dell’Europa.

Ma ancora più in là, nel tempo, il lavoro di Petrit recupera il neolitico attraverso la modellazione in argilla e ottone di “ocarine”, strumenti musicali a fiato preistorici ritrovati vicino alla sua casa natale; strumenti antichi che invitano a momenti di convivialità e di festa anche oggi.

Il racconto generoso della propria esperienza più profondamente personale diventa emozione vera di fronte ad alcuni fogli scritti dall’artista stesso, dove una calligrafia incerta, ripete e ci svela di un difficile rapporto col padre dal quale non si sente accettato per il proprio orientamento sessuale, e col quale tuttavia riesce a dialogare, non a parole, ma con i gesti, con il lavoro, con il fare.

Con discrezione Petrit apre al proprio vissuto, invitandoci a riflettere su quanta sofferenza ancora possa generare un rifiuto della diversità; nello stesso tempo fa emergere consapevolmente la propria identità, testimoniando una maturazione che è, direi, fenomeno epocale, proprio delle nuove generazioni.

Molti lavori esposti sono stati realizzati, su sua indicazione, dai famigliari; sono oggetti che appartenevano al mondo contadino e alla sua infanzia.

La paletta “schiacciamosche” è stata ricostruita, con altri 26 utensili, ed esposta sotto vetro, su lamine di rame, in una struttura in legno avvolta da rami e terriccio: un “nido” in grande scala, apparentemente sospeso, dimora nomade degli uccelli, metafora della sua identificazione.

E il collegamento con il Padiglione del Kosovo, allestito alla Biennale di Venezia del 2013, dallo stesso artista, diviene obbligatorio: un grande rifugio precario – nido – costruito con rami e terra impastata, immagine di una terra devastata dalle distruzione di gran parte delle dimore esistenti.

Urgenza di riempire un vuoto. Desiderio di trovare un rifugio.

Nel lavoro esposto alla Biennale di Venezia del 2017, dove la giuria gli ha assegnato una menzione speciale, l’artista ha  disseminato l’ampio spazio dell’Arsenale di gigantesche falene realizzate in tessuto kosovaro con l’aiuto della madre, recuperando un sapiente fare creativo femminile.

Il bestiario delle sue creazioni è fatto di creature fragili, umili, animali spesso alati che danno voce a tanta parte di umanità che non fa “rumore”, ma che incarna qualità preziose.

Il suo “fare” vulcanico, i variegati medium che Petrit elabora, la poesia e la profondità  delle sue narrazioni testimoniano la possibilità, anche nell’oggi, di poter vivere esperienze artistiche ed estetiche di grande valore.

Ivetta Galli